Dungen es una banda originaria de Suecia, su historia comienza desde finales de los noventas pero fue hasta el 2004 cuando editaron el álbum ”Ta Det Lugnt” que fueron conocidos internacionalmente en el mundillo del indie. Una característica especial es el hecho de que cantan todas sus canciones en sueco.
Para este nuevo disco continúan con su clásico sonido de rock psicodélico, progresivo con pequeños tintes de folk y como ya lo habían hecho en su disco anterior “4” [2008] tienen algunos pasajes de jazz. En términos generales este nuevo álbum, sin perder su esencia interesante, tiene un sonido un tanto más melódico vs los anteriores trabajos y también es más variado en cuanto a intensidades, lo que le da un toque distinto y fresco.
No se si Dungen algún día supere los niveles que lograron en “Ta Det Lugnt”, por lo pronto tenemos que esperar un poco más, mientras tanto disfrutemos de “Skit I Allt”.
Hace apenas unas horas fue la presentación en México del proyecto musical-visual de Animal Collective, el evento tuvo lugar en la Cineteca Nacional con un lleno total en la sala de proyección. Estuvieron presentes el director Danny Perez y representando a Animal Collective Noah Lennox (Panda Bear).
Se trata de un proyecto que fue conceptualizado como un “disco visual”, de hecho las imágenes y la música se hicieron al mismo tiempo, retroalimentándose mutuamente y vistas como una pieza integral, cosa que está plenamente lograda en el filme, es difícil concebir esta música sin estos visuales y viceversa, en verdad se ha logrado una sinergia.
En términos fílmicos es una pieza bastante abstracta tanto en lo visual como en lo auditivo, más que una narrativa podemos percibir ciertas situaciones o happenings que se dan en pequeños sets o simplemente en locaciones naturales, por algunos lapsos sólo vemos texturas o sensaciones. Psicodelia a todo color que nos lleva a un viaje de edición músico-visual.
Después de la proyección hubo una mecánica de preguntas y respuestas con Danny Perez y Noah Lennox, pero resultó confusa. Posteriormente fiesta con Tequila gratis (podías entrar con el mismo boleto del cine) pero ya no fui. Prefiero esperar para el concierto de Panda Bear el día de mañana, a ver que tal.
Resultó muy interesante este ejercicio, que por momentos raya en lo absurdo y bizarro. Valió mucho la pena esperar a verlo en cine.
Javiera Mena es una cantante que surgió por ahí del 2000 en la escena independiente de Santiago de Chile. Con sólo un disco en su haber “Esquemas Juveniles” [2006], es suficiente para ser considerada una de las figuras a seguir dentro del indie pop latinoamericano.
Este segundo álbum se mueve en la delgada línea entre el pop y el indie, está digamos entre lo comercial y lo interesante. Tiene esta parte pop súper vendedora y que fácilmente se puede catalogar como producto desechable de moda pasajera, hits descaradamente pegajosos. No es casualidad que esté producido por Cristian Heyne, productor chileno de pop que ha llegado a trabajar hasta con artistas como Kudai o Enrique Iglesias. Pero lo que hace la magia en este álbum es la mezcla con la contraparte indie, con este sentido interesante, incluso las letras son tontas y melosas: “Un audífono tú, un audífono yo”. Pero de alguna manera se las arregla para dejar claro que aquí hay algo grande, al final el talento y todos los detalles suman para que el resultado sea potencialmente exitoso e inteligente.
9 canciones más cercanas a su estilo electrónico, mucho baile y más baile. Influencia retro que momentos me recuerda al productor italiano Giorgio Moroder. Tiene colaboraciones de Daniel Hunt (Ladytron), Kelley Polar (Metro Area), Lido Pimienta y la más importante de Jens Lekman que canta en inglés y español en una canción llamada “Sufrir”.
Pocos artistas logran la mezcla de popularidad y credibilidad, acá se están dando las condiciones.
Uno de los proyectos musicales más representativos del krautrock, es este laboratorio de experimentación sonora llamado Tangerine Dream, conjunto conformado en 1967, con una alineación original que reunía algunas de las figuras más importantes del movimiento, como el ex estudiante de artes Edgar Froese, quien había sido alumno del pintor catalán Salvador Dalí, por lo que fue fuertemente influenciado por los preceptos del surrealismo y resultó el único miembro constante del conjunto a lo largo de su historia, junto a él inició también su carrera Conrad Schnitzler, otro ex estudiante de artes, uno de los primeros alumnos del paradigmático artista alemán Joseph Beuys, figura de gran repercusión en el desarrollo del krautrock, tanto en diversas bandas como Kluster (Después Cluster), como en su carrera solista y por último Klaus Sculze, quien también participaría en otras bandas como ya vimos con Ash Ra Tempel.
Desde un principio el colectivo estaba enfocado a crear un sonido minimalista y atmosférico rico en texturas, al que daban un enfoque futurista y espacial, (fueron ellos de hecho los que acuñaron el término “Kosmiche Musik”, con el cual preferían ser catalogadas la mayoría de las bandas contemporáneas que encontraban ofensivo el termino krautrock), basándose en el uso de sintetizadores e instrumentos electrónicos.
Phaedra, su sexto álbum, cuenta con Edgar Froese en el órgano, el melotrón, los sintetizadores, bajo, guitarra y producción, Cristopher Frank en los sintetizadores, moog y teclados, y Peter Baunman en el órgano, sintetizadores, flauta, teclados y piano. Es el disco que llega a concretar las intensiones que Edgar Froese había desarrollado con las diferentes agrupaciones del conjunto, convirtiéndolo en su obra clave principalmente por ser pionero en el uso del secuenciador, herramienta que funge como base de las cuatro composiciones que lo integran, de hecho el primer track que da nombre al disco es una pieza de más de 17 minutos basada en improvisaciones con dicho instrumento. Pese a su alto contenido experimental, fue su primer disco editado por una disquera transnacional del calibre de Virgin records, sorprendentemente alcanzó un importante éxito comercial, llegando incluso a los diez primeros lugares de las listas británicas, cosa extraña para un grupo alemán con una propuesta basada en composiciones instrumentales.
El álbum es considerado un parteagüas dentro de la música electrónica, además de que al grupo se le considera pionero de géneros como el new age y el ambient, por lo que a pesar de las constantes modificaciones en su alineación y una gran cantidad de altibajos a lo largo de su historia, el legado de Tangerine Dream dentro de la música contemporánea es absoluto e indiscutible.
Zozaya es un dueto originario de Monterrey, México, está integrado por PoRNO y BuL.
Lo curioso de este disco es que está hecho con samplers del disco de Café Tacvba “Re” [1992], es un homenaje, ellos mimos entre sus rimas de pronto comentan: “Nos gusta Café Tacvba, no nos demanden por favor”. Es un disco que tiene esta curiosidad y puede ser un trabajo bastante interesante para los fans de los tacubos.
El EP consta de 6 canciones, aquí los nombres de los temas y los samplers que utilizan: Muestrate, Apartate – “El Aparato” Rap en Español – “Esa Noche” Temor de Ser Feliz – Es la canción en donde las referencias son más abstractas, se escuchan algunas voces y ritmos tacubos con microsampling y también se oye una voz de mujer cantando bolero. Cafeta Crashed – “El Ciclón” Atrapado – “El Baile y el Salón” El Borrego – “El Borrego”, la más perecida a la original, de hecho podríamos decir que es un cover con algunas sorpresas.
The New Raemon es el proyecto del músico español Ramón Rodríguez. Surgió apenas hace 2 años con “A propósito de Garfunkel” [2008], que me parece uno de los discos más importantes del pop español de los últimos años.
Ahora nos presenta este disco que contiene 2 EPs que sólo existían en formato vinilo, “La Invasión de los Ultracuerpos” [2008] un EP con algunas canciones que quedaron fuera de su disco debut, y viene también el EP “Cuaresma” [2009]. Además tiene 8 canciones inéditas con covers y duetos que forman un nuevo EP llamado “Líneas convergentes”, los artistas que colaboran en estas nuevas canciones son Manos de Topo, Charades, Maga, Pau Vallvé y Lluís Gavaldà.
En lo personal me hubiera encantado que los EPs se quedaran por siempre sólo en formato de vinilo, pero bueno, seguramente mucho más gente tendrá acceso a estas canciones en CD. De cualquier forma tenerlos en su formato original de LP tiene un encanto especial y seguramente se convertirán en objetos de colección.
El arte del disco fue realizado por Martín Romero y en los interiores tiene ilustraciones de juegos de mesa bastante intereantes.
Recopilación de música disco, rarezas, italo disco o simplemente canciones que no fueron famosas derante la etapa disco en los setentas.
Después de ver el éxito del primer volumen ”Horse Meat Disco” [2009], los mismos productores han editado la segunda parte, está claro que estos tipos saben del tema y presentan una selección de temas underground con una potencia y valor importantes.
No deja se de ser interesante este volumen 2, pero aún así es mucho mejor el volumen uno.
Recopilación de música hippie norteamericana, concretamente temas grabados en el estudio Lowlands que está en Port Neches, Texas. Las grabaciones abarcan un periodo de 1969 a 1974.
El estilo es música folk rock clásica de Estados Unidos, se trata de canciones y bandas que no fueron conocidas a nivel masivo, aquí vas a encontrar grupos y artistas que podrían ser la parte underground de la música hippie, bandas similares al sonido de The Band, Crosby, Stills and Nash o Creedence Clearwater Revival.
Un disco interesante para los que tengamos la curiosidad de escuchar canciones inéditas o simplemente ocultas del clásico rock de principios de los setentas en Estados Unidos.
Amon Dûûll en un principio era una comunidad activistas hippies con tendencias políticas radicales, dentro de esta comuna había un grupo de rock llamado Amon Dûûll, en este intervenían muchos de los miembros incluso sin ser propiamente músicos, llegó el momento en que esto generó problemas. Posteriormente los que sí eran músicos conformaron Amon Dûûll II con una orientación más musical y menos radical.
“Yeti” es un disco de rock psicodélico bastante denso, gran parte del concepto se basaba en la improvisación, de hecho su disco anterior “Phallus Dei” (El Pene de Dios) [1969] es totalmente improvisado, y aunque para este disco ya hay mucho más composición, también tiene largas partes que no estaban totalmente definidas. La edición original era un disco LP doble donde el primer acetato es de canciones compuestas previamente, el segundo es improvisado y está conformado por canciones muy largas, el tema que da nombre al disco “Yeti” es una improvisación de 18:12 que ocupa todo el lado C del vinilo.
Un trabajo anarquista desde el punto de vista conceptual y musical, es imposible intentar aproximarse a este disco olvidándose de la historia, de la carga política y del discurso hippie-esquizofrénico que lo realizó, es un proyecto que siempre ha estado ligado a las drogas, estas son vistas desde un punto de vista mucho más dañado, si los hippies de USA estaban en el “flower power” y fumaban mota, estos tipos eran activistas políticos radicales y se metían LSD.
Una visión de la cultura hippie y del rock progresivo muy dañada. Una de las bandas pilares del Krautrock.
Subliminal Sounds / Mexican Summer [2010]
