Fat Possum [2012]
rock
8.0

The Walkmen es una banda que irrumpió de manera considerable a principios de los dosmiles, justamente con su primer álbum “Everyone Who Pretended to Like Me Is Gone” [2002], que fue muy bien recibido, luego vino su mejor disco a la fecha “Bows + Arrows” [2004] el cual recibió calificaciones hasta de 10. Por aquellas épocas se postulaban como LA banda, sitios muy influyentes del momento, como Pitchfork o Sputnikmusic, que los ponían en la cumbre.

Sin embargo algo sucedió en el camino, tal vez perdieron fuerza o lo más importante credibilidad, no lo sé, pero sus bonos bajaron considerablemente a nivel percepción y de pronto dejaron de ser esa nueva gran banda “cool”.

Y así al día de hoy cumplen 10 años de carrera y llegan a su séptimo disco “Heaven”, donde si bien me parece no alcanzan los niveles de sus mejores épocas, sí es un trabajo con cosas interesantes. Continúan con su clásico estilo de rock tradicional, fuerte, con personalidad, y ahora hacen un guiño con algunas canciones mucho más tranquilas, con tintes de baladas folk, y es justamente en estas canciones donde está lo que más me atrae. Pero contrario a esto está el primer single “Heaven”, donde presentan un sonido más pop, punk, más comercial pues, pero con mucha menos personalidad.

Como sea, siempre es noticia grata recibir nuevo disco de esta gran banda de NY que nos ilusionara tanto a principios de los dosmiles, de eso ya pasaron 10 años.

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F-Beat Records [1980]
new wave - blue-eyed soul
No. 40

Declan Patrick Mcanus Costello era un inglés de lo más común que realizaba trabajos administrativos, ya estaba casado y tenía un hijo, pero en sus ratos libres componía canciones, repartía sus maquetas y demos esperando tener algo de suerte. Comenzó a desenvolverse a mediados de los setentas en el sector de pubs y bares en Inglaterra, vivenciando el surgimiento del Punk y del New Wave, de donde comenzaba a nutrirse para ir creando su propio estilo. El director del sello Stiff records se interesó en este artista desconocido que evidentemente hacía grandes canciones y tenía un estilo sumamente llamativo, pero le parecía que le faltaba un verdadero distintivo, por lo que le propuso adoptar el nombre de Elvis, como el rey del rock, y juntarlo a su apellido materno, así nació Elvis Costello.

Editó su primer disco en Stiff records y luego dos más en Radar records, nueva compañía del mismo dueño, y muy pronto obtuvo gran éxito, en parte por sus canciones perfectas, deudoras tanto del new wave como del rock mas clásico, pero también en parte por su inigualable imagen, de lentes de pasta,  peinado relamido, saco y pantalón de tubo, se encontraba a la mitad exacta entre Buddy Holly y el punk.

Para su cuarto álbum, primero de los ochentas, ya con mucho reconocimiento y nueva compañía de discos, lanza “Get Happy!!”, una enorme colección de veinte canciones cortas, precisas y compactas, como ya era su característica, pero que se inspiraba por primera vez en la tradición de la música soul, la cual amaba enormemente, y a la cual decidió homenajear. El resultado es una mezcla muy afortunada de su muy bien definido estilo pop new wave frenético y urgente, con letras irónicas, cínicas y llenas de humor, mezclado con elementos de soul sureño y de la legendaria Motown, repleto de canciones clásicas, de un regusto alegre, animoso y festivo.

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Secret, Profane And Sugarcane

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La Música es Gratis [2012]
folk
8.0

Acá en regioncuatro ya hemos hablado muchas veces de Roberto Polo aka Mr Racoon, a quien descubrió Micro hace varios años e incluso le ha seleccionado dentro de las cuatro mejores canciones del año en el 2009, lo hemos entrevistado y pues es de los artistas de la casa. Actualmente Mr Racoon va consolidándose como uno de los nuevos clásicos de una generación de músicos que no se detienen ante la falta de una firma discográfica y que no dejan de tocar, producir, grabar y generar sus propios medios e infraestructura ni un momento, prueba de ello son los mas de diez años de trabajo y los seis discos que ha autoeditado desde 1999.

Desde hace algún tiempo lleva anunciando que está grabando una nueva producción llamada “Hurra!”, pero para hacer más llevadera la espera lanzó en La Música es Gratis hace unos días a manera de regalo para los fans un EP de lados-B, con siete canciones que de alguna u otra manera habían quedado rezagadas o no habían cuadrado en sus discos, lo cual se agradece enormemente, pues además de que tener material extra y rarezas de un grupo que sigues, nunca está de más. Siempre me han interesado esas canciones que quedan editadas de los discos oficiales, casi siempre muestran un lado más arriesgado o menos pegadizo del grupo, y a veces son joyas que en su momento el artista o el productor no supieron detectar.

El EP es breve, conciso y tiene los elementos que favorecen a Mr Racoon, buenas canciones folk, con muchas texturas y capas, tintes shoegaze, sicodélia, momentos pop, otros más experimentales y hasta un poco de bossanova. Llama la atención como manipula el sonido para darle un efecto difuso y envolvente aún cuando puedes escuchar claramente cada elemento, sin caer en el típico efecto de distorsión ruidosa que oculta la deficiencia instrumental, problema que a menudo me encuentro con grupos que pretenden llegar a un resultado similar sin éxito.

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Katy / entrevista / mejores canciones en español 2009

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Columbia [1988]
folk - rock – pop
No. 41

Leonard Cohen es uno de los artistas más emblemáticos de los últimos cincuenta años, su carrera definitivamente no tiene una trayectoria convencional y no podría decirse que pertenezca a un movimiento musical en concreto. Aún cuando en sus discos muestra muchas características de un cantante folk. Él no encajaba dentro de la imagen del personaje desaliñado y contracultural, lucía impecable en todo momento vestido de traje perfectamente pulcro y con el pelo siempre bien recortado. Sus letras, siempre cargadas de imágenes poéticas principalmente hablan del amor, de religión, de relaciones sentimentales, de sexo y otros temas con una visión sumamente depresiva y pesimista, pero propiamente no tocaba los temas habituales de su generación, y definitivamente no era un hippie.

Para cuando comenzó su carrera musical a los 32 años el ya tenía una trayectoria importante como poeta, había editado varios libros, sin embargo el mismo dice que se encaminó hacia la música por encontrar en esta un medio ideal para difundir su poesía y volverla popular. 22 años más tarde y ya con una importante carrera musical edita a finales de los años ochentas este álbum que definitivamente representaba un vuelco en su ya conocido estilo.

Después de un disco de tono espiritual llamado “Varius Positions” [1984] que tuvo muy poca difusión y su disquera se rehusó a distribuir en estados unidos, edita “I’m Your Man”, que si bien conserva el tono particularmente sombrío de contar historias del cantautor canadiense, marca grandes diferencias con sus primeros trabajos, las instrumentaciones acústicas quedan de lado para dar paso a los sintetizadores, a arreglos más pop y a un sonido mucho más moderno y pegajoso. Sin embargo aunque la vestimenta cambiaba, las canciones seguían teniendo el mismo espíritu de siempre, acaso irónicamente los temas eran en ocasiones más apegados a temas sociales o políticos y se habían teñido de un cierto humor negro que contrastaba bastante bien con la nueva dirección musical.

Finalmente “I’m Your Man” fue interpretado como un gran regreso, después de lo ignorado de su disco anterior, fue su álbum con mayor éxito comercial hasta dicho momento, al menos "First We Take Manhattan”, "Everybody Knows", "I'm Your Man", "Take This Waltz" basada en el poema de Federico García Lorca “Pequeño Vals Vienés” y "Tower of Song" o sea más de la mitad de sus canciones son consideradas de sus clásicos. Definitivamente marcó una nueva faceta en su carrera, unos años más tarde dio otro giro inesperado retirándose a un monasterio budista, donde vivió seis años en los que se ordenó monje y en casi 10 años no produjo ninguna canción, si no hasta ya comenzados los dosmiles.

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The Songs of Leonard Cohen / Los Mejores Discos de Folk

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Virgin [1980]
blues experimental
No. 43

Don van Vliet aka Captain Beefheart (1941-2010) recibía los ochentas con algunas obras maestras a cuestas. Su carrera comenzó en los sesentas con el álbum “Safe as Milk” [1967] considerado un verdadero pilar del psychedelic rock, un par de años más tarde se aventó la puntada de editar “Trout Mask Replica” [1969] producido por su amigo Frank Zappa, un disco que el día de hoy es considerado como una obra primordial del rock experimental. Después llegaron los setentas donde con sus altas y bajas presentó varios discos, destacando para mi “Clear Spot” [1972].

Sin embargo para muchos músicos de su generación, sobretodo de su gremio, los ochentas representaron un reto complicado de superar, muchos de ellos ahí se perdieron y algunos otros (aquí podemos meter incluso al mismo Zappa) nunca llegaron a tener los niveles de creatividad de los setentas y sesentas. Muy pocos artistas lo superaron. Sin embargo Don van Vliet supo mantenerse en niveles muy elevados, dándole un giro inesperado y totalmente novedoso a su sonido. Esta renovación comienza a finales de los setentas con el álbum “Shiny Beast (Bat Chain Puller)” [1978], al cual le siguen justamente el que nos ocupa “Doc at the Radar Station” y posteriormente “Ice Cream for Crow” [1982], formando una trilogía completamente revolucionaria, donde retomando elementos, que él ya había sido creador, como de música experimental, blues, psychedelic rock, protopunk, free jazz, outsider… creó uno de los híbridos más radicales, extraños y personales del rock y por supuesto de los ochentas.

Comentar que la portada de “Doc At The Radar Station” es considerada como una de las mejores, es una obra pictórica creada por él mismo.

Después de esta trilogía de discos, Captain Beefheart se retiró de la música y se dedicó a su segunda pasión la pintura, hay que decir que fue mejor músico que pintor, pero él alguna vez comentó que la vida de un pintor es menos caótica que la de un cantante. Sin duda es una de las figuras más extravagantes del rock, siempre alejado de las tendencias o modas, con una personalidad única. Nada ni nadie se parece a lo que él hizo.

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Trout Mask Replica / Shiny Beast (Bat Chain Puller) / Los Mejores Discos Experimentales del Rock

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Arista [1986]
hip-hop
No. 42

A principios de los años ochentas el hip-hop era un estilo musical marginal, su público era principalmente el sector afro-americano y aún cuando algunos artistas importantes retomaban elementos de este estilo musical, su manifestación más pura, completamente de culto, a pesar que ya existían algunas leyendas del género y figuras verdaderamente exitosas a nivel underground.

Russell Rush Simmons, actualmente el tercer hombre más rico en la industria del hip-hop y co-fundador junto con Rick Rubin de la legendaria disquera Def Jam Records, convenció a su hermano menor Joseph Simmons y a su mejor amigo de la infancia Darryl McDaniels en crear un dueto de Hip-hop. Finalmente Joseph adoptó el sobrenombre “RUN” y Darryl “D.M.C.”, y terminaron convocando a su amigo Jason Mizzell a participar con las tornamesas, quien fue conocido como Jam Master Jay. Run D.M.C. no fichó en la disquera de su hermano, pues de inmediato tuvieron buen recibimiento en la filial profile de Arista Records, pero siguieron trabajando con Russell, quien les produjo sus discos y ayudó a crear su sonido.

Así surgió su primer álbum homónimo “Run D.M.C.” [1984], el cual era verdaderamente crudo, pues los raperos trabajaban sus rimas sobre bases de ritmos sumamente minimalistas, casi sin adornos. Para su segundo disco “King of Rock” [1985], el grupo se mostraba aún más rudo, trabajando sobre sampleos de rock y de heavy metal, al contrario de la mayoría de los grupos de la época que utilizaban piezas de funk o disco como base. Sin embargo Run D.M.C. tenía un carisma mucho más grande que la mayoría, convirtiéndose desde entonces en un éxito de ventas, el primer grupo de rap en aparecer en MTV, y en uno de los grupos que más influencia tenía sobre el movimiento hip-hop.

Sin embargo y pese a tales proezas, el grupo no había llegado a su cúspide creativa, y a su tercer disco, donde Russell hace dupla como productor con Rick Rubin, todas las potencialidades del trío estallaron sobre la cultura popular. Run D.M.C. estaba en su mejor momento tanto en lo artístico como en credibilidad, creando potenciales éxitos en el estudio como “Its tricky” o “My Adidas” (Que le valió ser el primer grupo de rap en ser patrocinado por una marca de prestigio). Sin embargo en uno de esos momentos que valen oro, el grupo tenía un tema sin resolver, a lo que Rick Rubin les propuso mezclar con el tema “Walk this Way”, original de Aerosmith, quienes ya estaban de salida en la escena musical. Finalmente más que un sampleo, la canción se volvió un crossover donde participaron Steven Tyler y Joe Perry, vocalista y guitarrista del legendario grupo de hard rock.

El resultado de esta colaboración fue histórica, Run D.M.C. alcanzó la estratósfera del éxito, Aerosmith le dio un segundo aire a su carrera, el hip-hop se volvió dominio público, y la línea divisoria entre la música ”Blanca” y “Negra” comenzaba a parecer ridícula y anacrónica. Ninguna de las repercusiones de este álbum fue pérdida para nadie.

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Sub Pop [2012]
dream pop
8.0

A mi no me entusiasma mucho Beach House, así sin más vueltas. Tampoco es algo que me cause ámpulas ni mucho menos, sus discos tanto en el 2008 como en el 2010 aparecieron en nuestras listas de lo mejor del año. Pero me refiero al hecho de que mucha gente, amigos, blogs y tal, son fans incondicionales. Seguramente el del problema soy yo, pero como bien nos dijo Guille Milkyway: “Lo que uno aborrece ferozmente a otro le conmueve profundamente”.

Así que no entiendo muy bien tal entusiasmo general por “Bloom”, lo he escuchado desde que se filtró a los blogs, tal vez hace un mes, y lo he ido dejando y dejando hasta que desocupó el play list de iTunes “Añadidas recientemente” y no ocupó ni tantito el de “Las 25 más escuchadas”, por el contrario se fue perdiendo entre mp3s que se acumulan día a día.

Sin embargo es obvio que “Bloom”, la cuarta entrega del dúo conformado por Victoria Legrand y Alex Scally, está generando las críticas más positivas y es un candidato a disco del año, así que no puede pasar desapercibido. Sin duda un disco que basa su belleza en lo simple y por supuesto, a pesar de no ser un entusiasta incondicional, esto se agradece.

Al final un álbum que hay que escuchar, y que cada quien forme su propio juicio. ¿Quién es uno para decir tal o cual disco es bueno o malo?

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Los 4 discos del 2010 / Teen Dream

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Rough Trade [1989]
dream pop
No. 44

Galaxie 500 fue un trío estadounidense, conformado a finales de los ochentas, su estilo es bastante peculiar y es una banda que se mantuvo al margen de las tendencias. Con un estilo totalmente contrario a lo que en esos momentos estaba tan en boga, por aquellos días se estaba gestando un fenómeno llamado grunge, surgían súper bandas como Nirvana o Soundgarden, prácticamente los ochentas de MTV con colores vivos y festividad, ya eran el pasado y lo reinaría sería el alternativo.

Sin embargo contrario a las tendencias evidentes, Galaxie 500 tenía estilo pop completamente pausado, lo que algunos llaman slowcore, con ciertos acentos elegantes, como podrían ser los requintos psicodélicos o el acercamiento tan distinto que tienen al shoegaze. Influencias muy marcadas como The Velvet Underground, los discos solistas de Nico o bandas como Talk Talk, y aún cuando su estilo es muy simple al final es difícil de etiquetar.

“On Fire” tuvo éxito en UK, llegando a ocupar lugares de popularidad y fue un álbum alabado por los expertos, sin embrago en EU no le fue bien, sobretodo criticado por las limitaciones vocales de su cantante Dean Wareham. Es de esos discos que fueron cobrando fuerza con el tiempo, un tanto ignorado en su momento pero al día de hoy un básico, un hecho crucial para su re valoración fue aparecer en el lugar 16 de la lista de los 80s en Pitchfork y por supuesto haberlo calificado con 10.

“On Fire” es una agradable y profunda pausa en la vorágine comercial, banal y estridente de los ochentas.

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Korova / WEA / Sire [1983]
neo-psychedelia
8.8

Ciertamente las listas no son algo nuevo. Con la Rolling Stone y Pitchfork Media abarcando el campo de los álbumes por década, además del ejercicio de las listas anuales en las que también suelen participar blogs como The Needle Drop o como este mismo, es casi un reflejo crítico automático en el que todos los interesados empatizamos o diferimos respecto a las posturas de cada lista. Con esto dicho, el punto es que siempre, en mayor o menor medida, lamentamos no ver nuestros álbumes o artistas favoritos mientras descendemos en cuenta regresiva hasta los primeros puestos.

En el particular caso de mi persona, he recorrido con emoción varias listas de la década de los 80’s hasta las últimas posiciones sólo para quedarme con las ganas de ver alguno de los dos grandes discos de Echo & The Bunnymen, “Porcupine” [1983] u “Ocean Rain” [1984]. Entre las razones que busqué para justificar esta ausencia está la más aceptada y recurrida por los críticos: el nombre de la banda es un repelente natural de seriedad crítica. No obstante, existen otras varias razones como el usual rechazo que se le da a las voces teatrales, como es el caso de Ian McCulloch, o a la música ‘requintocéntrica’, aún cuando yo diría que la música de The Bunnymen es todo ritmo. La realidad es que Echo y Los Hombres Conejo merecen la reseña aun así sea por fuera del conteo.

La disquera Korova contaba a principios de los 80’s con las más sobresalientes bandas en la pequeña escena de la ciudad de Liverpool. Entre sus filas postulaba Echo & The Bunnymen que, aunque no la más legendaria banda en provenir de la ciudad mencionada, venía realizando un arte surrealista con un estilo musical peculiar. Antes de “Porcupine”, habían salido a la luz “Crocodiles” [1980] y “Heaven Up Here” [1981], que fueron recibidos con cierta emotividad. “Porcupine” resultó ser el punto creativo más alto de la banda además del principio de su relativo éxito comercial.

Antes que nada, “Porcupine” es dos grandes duplas de canciones. El disco abre con ‘The Cutter’ y ‘The Back Of Love’, ambos sencillos extraídos de este álbum y que son dos de las pistas más rítmicas y bailables del mismo pero que simultáneamente dan entrada al mundo oscuro de The Bunnymen. La otra dupla que da forma a este álbum y que representa su clímax comienza con ‘Higher Hell’, realmente la pieza más sobresaliente entre las 10 pistas, y ‘Gods Will Be Gods’ donde vale la pena destacar la labor del difunto Pete De Freitas en la sección rítmica. El resto de las canciones no son tan destacadas pero forman un total que hace a este un álbum de sonido uniforme, con la excepción de ‘Heads Will Roll’ que realmente destaca como el centro del álbum.

Visto de forma objetiva, Echo & The Bunnymen no es un grupo de listas porque a la fecha ha sido una banda bastante poco influyente. De cualquier modo álbumes como “Porcupine” merecen mantenerse en nuestra memoria.

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Parlophone [2012]
neo-psychedelia
8.0

Richard Hawley es hoy en día un cantautor respetado, lleva consigo una etiqueta de clásico, etiqueta que él mismo decidió portar al retomar estilos de rock muy tradicionales y explorarlos, esto lo hizo mientras la gran mayoría de los músicos buscan lo contrario, lo novedoso. Esto le valió tener un estilo, que si bien tiene muchas influencias y se podrían cuestionar sus aportaciones concretas, dentro del contexto de los dosmiles es inconfundible y auténtico.

Sin embargo ahora decide hacer un giro importante, con un sonido más oscuro, y auque continúa con fuertes dosis de influencia de la música de los 60s, a diferencia de sus trabajos más famosos donde la influencia de gente como Roy Orbison es evidente, se inclina mucho más rockero. Presenta los momentos más prendidos y alucinados que ha hecho, apuesta por la psychedelia y por la distorsión. También por ahí se asoma claramente su pasado, militando en bandas como Pulp, con un sonido muy inglés al más puro estilo britpop.

Siempre se le agradece a un músico renoverse, cambiar de aires, sobretodo a un cantante con un estilo tan particular y definido. Mencionar también el hecho de que, como todos los trabajos de Richard Hawley, está presentado y grabado de manera impecable. Un disco que refresca y enriquece la discografía de este crooner, que después de poco más de 10 años, y de 10 discos, continúa siendo garantía.

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Coles Corner / Truelove's Gutter / False Lights From The Land EP / Mejores Discos de la Década

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