Kristian Matsson es el hombre más alto de la tierra (The Tallest Man on Earth) un cantautor que nació en un lugar llamado Dalarna, en Suecia, pero que su estilo musical nació unos años antes con las raíces del folk norteamericano, su forma de cantar y su voz nos recuerda mucho a los inicios de Bob Dylan.

Ya este año había editado “The Wild Hunt” un disco que recibió muy buenas críticas, ahora vuelve con este EP compuesto de 5 temas nuevos que continúan con su clásico estilo, pero ahora las canciones son un tanto más íntimas e introspectivas vs su último álbum. Un EP muy sólido gestado a través de la fragilidad, tal vez más cercano al sonido de sus primeros trabajos.

“Sometimes the Blues is Just a Passing Bird” EP salió hoy en iTunes y para principios de noviembre se editará en CD y LP.

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Barklay Records [1975]
new age – electrónica
No. 7

Popol Vuh fue una de las propuestas musicales más vastas y a la vez difíciles de definir dentro de la enorme explosión de rock alemán de los setentas. El responsable principal de este conjunto fue su fundador y único miembro constante Florian Fricke, quien mantuvo activo al grupo desde 1970 hasta su muerte en 2001.

La dirección musical de Popol Vuh, a pesar de ser muy particular y representativa, es sumamente difícil de definir, pues los intereses musicales de Florian Fricke eran bien amplios y eclécticos, aunque se le clasifica muchas veces dentro del rock progresivo, del new age y la música del mundo entre otras corrientes en voga, su sonido se relaciona en gran medida con la música culta contemporánea, con la que tenía muchas coincidencias. Sus dos primeros discos eran electrónicos, y tenían algunas de las primeras experimentaciones con  sintetizador mini moog, sin embargo pronto abandonó la etiqueta, le vendió su Moog a Conrad Schnitzler y para su tercer disco dio un giro en un sentido mucho más religioso, sin embargo también mostraba diversas influencias de música étnica, como la hindú, la africana, la oriental o la precolombina, del minimalismo, la música medieval, de rock, de folk  entre muchas otras fuentes.

El estilo se caracteriza por crear piezas instrumentales basadas en repeticiones de sonidos sumamente atmosféricas y envolventes, donde los instrumentos acústicos, como guitarras, alientos y percusiones, se combinaban a la perfección con guitarras eléctricas o sintetizadores. La obra final tenía un aura de misticismo y un sentido profundamente espiritual que muy rara vez ha logrado transmitirse dentro de los territorios del rock.

Alcanzaron una popularidad muy grande en todo el mundo, debido a que concibió la música de muchas de las películas más relevantes del director alemán Werner Herzog, entre las que se cuentan sus obras maestras “Nosferatu”, “Fitzcarraldo”, “Cobra Verde”, “El enigma de Kaspar Hauser” (En la que incluso aparece Florian Fricke en un pequeño papel) y la que atañe a esta reseña “Aguirre, la cólera de Dios”.

El disco que musicaliza esta película, simplemente llamado “Aguirre”, fue la primera colaboración entre el cineasta y el conjunto, y el más emblemático de su discografía, pues en sus cinco temas originales muestra todas las características esenciales de Popol Vuh, un trabajop lleno de planos de sonido que se repiten como mantras, con sutiles dejos de folk y de psicodelia, instrumentaciones étnicas muy marcadas, como se puede apreciar en el arreglo de flauta peruana al final del tema “Aguirre I” y su combinación con sintetizadores. El álbum está integrado por 2 temas complementarios, “Aguirre I”, dividida en “I L’aacrime di rei” y “II Flote”, “Aguirre II”, 2 temas, “Morgengruss II” y “Angus Dei” que son variaciones de temas que venían en un disco anterior llamado “Einsjäger und Siebenjäger” [1974] y un extenso corte final llamado ”Vergegenwärtigung”, aunque algunas ediciones incluyen los temas Spirit of peace I, II y III, y otra reedición más reciente incluye el bonus “Aguirre III”, sin embargo la concepción original del disco ya es suficientemente trascendental.

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NEU! fue un dueto alemán que estaba integrado por Michael Rother y Klaus Dinger, ambos integrantes venían de formar parte de Kraftwerk. Se conformaron en el año de 1971, editaron 3 discos: “Neu!” [1972] “Neu! 2” [1973] y “Neu! ‘75” [1975], estos 3 discos son considerados como piezas clave del Krautrock, pero justo en 1975 se separaron y crearon varios proyectos, por ejemplo Dinger formó La Düsseldorf y Rother creo la mítica banda Harmonia.

En 1985 se reúnen para grabar el “Neu! 4”, pero fue un trabajo inconcluso, el polémico material quedó en el tintero hasta 1995, Dinger entregó las cintas a una disquera japonesa sin  la autorización de Rother, es por esto que se considera una edición no completamente oficial.

Este nuevo álbum “Neu! ’86”, es la edición “oficial” de aquel mítico “Neu! 4”, aunque el track list tiene sus diferencias, algunos nombres y duraciones de canciones son distintos. Aquí hay que aclarar que Dinger desafortunadamente murió en el 2008, así que esta nueva edición del disco fue autorizada por su viuda y los tracks fueron remasterizados, retocados y remixeados únicamente por Rother.

En su momento este fue un trabajo que algunos críticos especializados calificaron como una especie de preview de lo que sería la electrónica en los noventas. Aquí está parte importante de la historia en electrónica más elevada.

mejoresreediciones2010_______________________

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Decca [2010]
música contemporánea – orquesta
8.5

Nico Muhly es un compositor y arreglista avant-garde de música de orquesta, es famoso en el mundo del indie por haber hecho arreglos para Antony and the Johnsons (The Crying Light), Sam Amidon (All is Well, I See the Sign), Björk (Medúlla, Drawing Restraint 9, Volta), Bonnie “Prince” Billy (The Letting Go) o Grizzly Bear (Veckatimest). Además también participa un muchos proyectos fuera del rock como corales, de orquestas, sinfónicos, etc.

Este nuevo trabajo se trata de composiciones que realizó Nico Muhly para celebrar el 25 aniversario de la compañía de danza de Stephen Petronio, quien es un afamado coreógrafo de NY que anteriormente ha trabajado con músicos de la talla de Rufus Wainwright, Laurie Anderson, Lou Reed o Michael Nyman.

En términos musicales es un álbum básicamente de música de orquesta, pero tiene sus variaciones que lo hacen más divertido, canciones para piano, alguna vocal con unos coros celestiales o simplemente cambios de tonos y niveles de experimentación, composiciones y arreglos de una calidad creativa sorprendente. Como siempre en los trabajos de Nico Muhly los detalles de producción e interpretación son impecables.

Uno de los discos de música clásica contemporánea que hay que escuchar este año.

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Noah Lennox, aka Panda Bear, es uno de los músicos más respetados en la escena experimental en todo el mundo. Sus proyectos, tanto solista como en Animal Collective, iniciaron muy ocultos, casi personales y con fuertes dosis de avant garde. Con el paso del tiempo se fue suavizando sus niveles de experimentación, hoy en día son proyectos muy elogiados y aceptados a niveles de popularidad importantes. Además también tiene los proyectos de Jane y Together.

Revisemos rápidamente sus discos como Panda Bear:
Panda Bear [1998] – Se editó incluso antes que cualquiera de Animal Collective. Casi ignorado, pero para mi es muy valioso.
Young Prayer [2004] – Un disco precioso que hizo como regalo a su papá que vivía una enfermedad terminal, el álbum se editó poco después de la muerte de su padre. Este fue el primer trabajo importante como Panda Bear.
Person Pitch [2007] – Simplemente un álbum crucial para entender la música experimental actual.
Tomboy [2010] – Su próximo álbum se editará a finales de este año, ya circulan por ahí algunos sencillos.

Entrando en el tema concreto del concierto de ayer, fue un espectáculo muy hermoso, un artista que lo tiene muy claro, nos presenta su mundo lleno de referencias sonoras y de estilos, donde podemos destacar la psicodélica y el pop, por supuesto tiene mucho de experimental y un sin fin de otras influencias.

A mi me queda claro que su música es para escucharse en disco, es una propuesta introspectiva, para el análisis, sin embargo en vivo no deja de ser interesante.

Me sorprendió la producción en términos de luces y video, yo siempre me había imaginado un concierto más intimo, pero las luces y por supuesto los videos generan algo que te envuelve y enriquece el concepto central. Él como artista si se presenta de manera sencilla, un teclado y una guitarra eléctrica, sin ayuda ni colaboración de otros músicos.

Música conceptual por momentos compleja, pero al final el resultado es simple y hermoso.

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Person Pitch .  Animal Crack Box .  Merriweather Post Pavilion .  Sung Tongs .  Here Comes the Indian

Subliminal Sounds / Mexican Summer [2010]
psychedelic – rock – Jazz
8.2

Dungen es una banda originaria de Suecia, su historia comienza desde finales de los noventas pero fue hasta el 2004 cuando editaron el álbum ”Ta Det Lugnt” que fueron conocidos internacionalmente en el mundillo del indie. Una característica especial es el hecho de que cantan todas sus canciones en sueco.

Para este nuevo disco continúan con su clásico sonido de rock psicodélico, progresivo con pequeños tintes de folk y como ya lo habían hecho en su disco anterior “4” [2008] tienen algunos pasajes de jazz. En términos generales este nuevo álbum, sin perder su esencia interesante, tiene un sonido un tanto más melódico vs los anteriores trabajos y también es más variado en cuanto a intensidades, lo que le da un toque distinto y fresco.

No se si Dungen algún día supere los niveles que lograron en “Ta Det Lugnt”, por lo pronto tenemos que esperar un poco más, mientras tanto disfrutemos de “Skit I Allt”.

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Ta Det Lugnt .  web .   twitter .  myspace .  facebook

Plexifilm [2010]

Hace apenas unas horas fue la presentación en México del proyecto musical-visual de Animal Collective, el evento tuvo lugar en la Cineteca Nacional con un lleno total en la sala de proyección. Estuvieron presentes el director Danny Perez y representando a Animal Collective Noah Lennox (Panda Bear).

Se trata de un proyecto que fue conceptualizado como un “disco visual”, de hecho las imágenes y la música se hicieron al mismo tiempo, retroalimentándose mutuamente y vistas como una pieza integral, cosa que está plenamente lograda en el filme, es difícil concebir esta música sin estos visuales y viceversa, en verdad se ha logrado una sinergia.

En términos fílmicos es una pieza bastante abstracta tanto en lo visual como en lo auditivo, más que una narrativa podemos percibir ciertas situaciones o happenings que se dan en pequeños sets o simplemente en locaciones naturales, por algunos lapsos sólo vemos texturas o sensaciones. Psicodelia a todo color que nos lleva a un viaje de edición músico-visual.

Después de la proyección hubo una mecánica de preguntas y respuestas con Danny Perez y Noah Lennox, pero resultó confusa. Posteriormente fiesta con Tequila gratis (podías entrar con el mismo boleto del cine) pero ya no fui. Prefiero esperar para el concierto de Panda Bear el día de mañana, a ver que tal.

Resultó muy interesante este ejercicio, que por momentos raya en lo absurdo y bizarro. Valió mucho la pena esperar a verlo en cine.

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web .  Danny Perez .  Animal Crack Box .  Merriweather Post Pavilion .  Sung Tongs .  Here Comes the Indian .  Panda Bear

Unión del Sur [2010]

Javiera Mena es una cantante que surgió por ahí del 2000 en la escena independiente de Santiago de Chile. Con sólo un disco en su haber “Esquemas Juveniles” [2006], es suficiente para ser considerada una de las figuras a seguir dentro del indie pop latinoamericano.

Este segundo álbum se mueve en la delgada línea entre el pop y el indie, está digamos entre lo comercial y lo interesante. Tiene esta parte pop súper vendedora y que fácilmente se puede catalogar como producto desechable de moda pasajera, hits descaradamente pegajosos. No es casualidad que esté producido por Cristian Heyne, productor chileno de pop que ha llegado a trabajar hasta con artistas como Kudai o Enrique Iglesias. Pero lo que hace la magia en este álbum es la mezcla con la contraparte indie, con este sentido interesante, incluso las letras son tontas y melosas: “Un audífono tú, un audífono yo”. Pero de alguna manera se las arregla para dejar claro que aquí hay algo grande, al final el talento y todos los detalles suman para que el resultado sea potencialmente exitoso e inteligente.

9 canciones más cercanas a su estilo electrónico, mucho baile y más baile. Influencia retro que momentos me recuerda al productor italiano Giorgio Moroder. Tiene colaboraciones de Daniel Hunt (Ladytron), Kelley Polar (Metro Area), Lido Pimienta y la más importante de Jens Lekman que canta en inglés y español en una canción llamada “Sufrir”.

Pocos artistas logran la mezcla de popularidad y credibilidad, acá se están dando las condiciones.

mejoresdiscos2010___________________________

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Uno de los proyectos musicales más representativos del krautrock, es este laboratorio de experimentación sonora llamado Tangerine Dream, conjunto conformado en 1967, con una alineación original que reunía algunas de las figuras más  importantes del movimiento, como el ex estudiante de artes Edgar Froese, quien había sido alumno del pintor catalán Salvador Dalí, por lo que fue fuertemente influenciado por los preceptos del surrealismo y resultó el único miembro constante del conjunto a lo largo de su historia, junto a él inició también su carrera Conrad Schnitzler, otro ex estudiante de artes, uno de los primeros alumnos del paradigmático artista alemán Joseph Beuys, figura de gran repercusión en el desarrollo del krautrock, tanto en diversas bandas como Kluster (Después Cluster), como en su carrera solista y por último Klaus Sculze, quien también participaría en otras bandas como ya vimos con Ash Ra Tempel.

Desde un principio el colectivo estaba enfocado a crear un sonido minimalista y atmosférico rico en texturas, al que daban un enfoque futurista y espacial, (fueron ellos de hecho los que acuñaron el término “Kosmiche Musik”, con el cual preferían ser catalogadas la mayoría de las bandas contemporáneas que encontraban ofensivo el termino krautrock), basándose en el uso de sintetizadores e instrumentos electrónicos.

Phaedra, su sexto álbum, cuenta con Edgar Froese en el órgano, el melotrón, los sintetizadores, bajo, guitarra y producción, Cristopher Frank en los sintetizadores, moog y teclados, y Peter Baunman en el órgano, sintetizadores, flauta, teclados y piano. Es el disco que llega a concretar las intensiones que Edgar Froese había desarrollado con las diferentes agrupaciones del conjunto, convirtiéndolo en su obra clave principalmente por ser pionero en el uso del secuenciador, herramienta que funge como base de las cuatro composiciones que lo integran, de hecho el primer track que da nombre al disco es una pieza de más de 17 minutos basada en improvisaciones con dicho instrumento. Pese a su alto contenido experimental, fue su primer disco editado por una disquera transnacional del calibre de Virgin records, sorprendentemente alcanzó un importante éxito comercial, llegando incluso a los diez primeros lugares de las listas británicas, cosa extraña para un grupo alemán con una propuesta basada en composiciones instrumentales.

El álbum es considerado un parteagüas dentro de la música electrónica, además de que al grupo se le considera pionero de géneros como el new age y el ambient, por lo que a pesar de las constantes modificaciones en su alineación y una gran cantidad de altibajos a lo largo de su historia, el legado de Tangerine Dream dentro de la música contemporánea es absoluto e indiscutible.

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