Peter Saville es un diseñador gráfico más que emblemático dentro de la historia del rock, específicamente fue pieza clave dentro del movimiento post-punk inglés, pues al conocer y hacer buena amistad con el entonces periodista y presentador televisivo Tony Wilson, este le encomendó hacer el diseño del primer poster de un proyecto que estaba por arrancar, la compañía de discos Factory Records.

En resto es historia, Peter Saville se convirtió en la mente creadora de la imagen de la disquera de Manchester así como en socio de la misma, llevó a cabo infinidad de posters y propaganda, realizó un buen número de portadas para bandas del sello y con el tiempo llegó a trabajar para discos de figuras legendarias. Desde sus primeros gráficos ya mostraba un estilo muy particular, minimalista y elegante, pero fuerte a la vez, muy influenciado por su también joven colega Malcolm Garret, http://www.malcolmgarrett.com creador de portadas de bandas como Buzzcocks, y por Herbert Spencer, pionero de la tipografía moderna, así que su trabajo representaba lo mejor de dos mundos aparentemente opuestos.

La primera portada que realizó para un grupo de la Factory fue precisamente Unknown Pleasures, único trabajo para el que los integrantes del grupo le dieron referencias de lo que les gustaría que apareciera en la portada. Dentro del folder con imágenes estaba una escogida por el baterista Stephen Morris que había sido extraída de la enciclopedia de astronomía de Cambridge, la cual mostraba la gráfica de las ondas de radio que captaron por primera vez el pulsar CP 1919 de la constelación Vulpecula, la cual le pareció sumamente adecuada y elocuente, pues era directa y reconocible, pero a la vez suficientemente enigmática para mantenerse abierta  a un sinfín de interpretaciones.

Una vez escogida la imagen, Saville la invirtió a negativo dejando el fondo negro y la línea blanca, la imprimió sobre papel texturizado, justo en el centro y sin ningún otro elemento. Cuenta el diseñador que no lo encontró necesario, al contrario le parecía estorboso poner el nombre del álbum o del grupo al frente, al platicarlo con el manager coincidieron que era suficiente, los integrantes del grupo “no querían ser  estrellas del pop”.

Finalmente en la contra aparecían en letras pequeñas el nombre del grupo y el álbum, así como la leyenda FACT10. A Factory records product, de manera muy discreta, y sin ningún tracklist. Este aparecía en una cara del pulcro inserto blanco, que en la otra cara tenía una fotografía de una puerta entreabriéndose con una mano en su interior. Tiempo después Saville se enteró que la imagen que utilizó era una fotografía bastante conocida llamada “Hand Though a Doorway” del norteamericano Ralph Gibson.

Con el tiempo, la icónica imagen se ha vuelto  enormemente popular, a un nivel que resulta insólito dado lo que el álbum y la banda representan. Ha sido utilizada tanto en pasarelas de moda, como en la odiosa imagen de una playera que vendían en  Disneylandia, la cual fue retirada un par de días de su lanzamiento, cuando los ejecutivos de la marca Disney conocieron la historia del grupo.

_______________________________________________________________

D

_______________________________________________________________

Vampire Weekend originarios de Nueva York, surgieron apenas hace cinco años, sin embargo rápidamente se convirtió en un referente, haciéndose famosos a cierto nivel primero desde su blog, es una de las bandas surgidas de canales alternos que más rápidamente se he posicionado de manera sólida en el indie. Hecho que ha causado división, en parte porque un proyecto independiente no debería de tener tanto éxito así de rápido, y luego porque sus miembros son estudiantes podría decirse de perfil nerd y provenientes de familias acomodadas, ambas cosas nunca han sido bien vistas en el rock.

Así pues los Vampire Weekend han generado ciertas sospechas en un sector de la crítica, contrastando con otra parte de la misma que los ama, es decir dividen opiniones, y de hecho las calificaciones para este nuevo álbum van desde el 2 hasta el 10, extremos opuestos.

Yo soy escéptico en principio, pero ya cuando escucho los álbumes me atrapan, ahí hay algo poderoso que suena muy bien y acabo cediendo ante mi postura inicial. Ciertamente hay algo de nerd acá, otro tanto de chicos riquillos sin chiste, si lo hay, pero se supera rápido y nos envuelve por el estilo tan peculiar que han logrado, con influencias que comienzan en el pop más nerd (Paul Simon) hasta sonidos actuales al más puro estilo del DIY (hágalo usted mismo), ambos mundos forman parte de.

Los Vampire Weekend ya han pagado derecho de piso.

_________________________________________________________

Contra

Vampire Weekend: / sitio / tumblr / twitter /

D

_________________________________________________________

Generalmente los discos tienen la portada que se merecen, es muy difícil ver un álbum muy malo con una portada fantástica o viceversa, por lo general van junto con pagado. Este es el caso de Revolver, un trabajo que es candidato a ser considerado como el mejor disco de todos los tiempos y el arte así lo pordría avalar, sabemos que en cuestiones de arte los Beatles fueron un ejemplo de buen gusto.

La portada como se sabe históricamente la diseñó el artista y músico alemán Klaus Voormann, quien fuera amigo y bajista eventual de los Beatles en su primera etapa en Hamburgo en los inicios de los años sesentas, antes de ser famosos. Klaus y su novia Astrid Kirchherr influyeron también en los peinados, moda y look de los Beatles.

Para la portada Voormann realizó un collage conformado por ilustraciones de los cuatro músicos y recortes de fotografías de Robert Whitaker, quien había tomado aquella mítica imagen de los Beatles con niños para el mítico álbum Yesterday and Today conocida como "butcher cover". La foto de la contraportada también fue tomada por Whitaker.

Pocas imágenes tan icónicas, hay discos que simplemente no te podrías imaginar ni visualizar con otro arte, donde el diseño forma parte integral de la obra, uno de estos sin duda es Revolver.

____________________________________________________________

The Beatles: / sitio / twitter / fb /

____________________________________________________________

Stephen Wilkinson, aka Bibio, es un músico inglés que ha estado en el tintero desde mediados de los dosmiles, le sigo la pista desde entonces siendo su segundo álbum Hand Cranked [2006] el trabajo que en lo personal me parece más interesante, donde presentó fusiones de electrónica con sonidos acústicos de banjo que a mi a la fecha me cautivan, sin embargo es un disco poco valorado. Su trabajo más alabado en términos generales por la crítica es el Ambivalence Avenue [2009] de corte más pop.

Si hay algo que hay que mencionar de Bibio es que siempre propone cosas nuevas, partiendo de su esencia que es la música electrónica con utilización de sonidos orgánicos o acústicos, sus trabajos nos presentan una sorpresa, si revisamos todos sus discos encontraremos un abanico importante de texturas y distintas maneras de llevar a cabo su estrategia sonora.

Para mi este nuevo álbum Silver Wilkinson es como un paseo por todos los estilos que ha explorado, con momentos experimentales en el tema “Sycamore Silhouetting” con sonidos acústicos que nos recuerdan sus inicios, después cosas más pop como podría ser el sencillo “À tout à l'heure”, hasta de pronto momentos bailables en “Look at Orion!” y en medio de todo están algunos otros detalles que ha explorado en otras entregas, como la edición de “You” que podría estar mucho más cercano a sus últimos álbumes.

Parte de su encanto es que siempre ha utilizado elementos muy elementales, cosas que hace desde su cuarto o grabaciones realizadas en cassette convencional de guitarras que hace en días soleados desde su jardín.

__________________________________________________________

Bibio: / tumblr / twitter / facebook /

D

__________________________________________________________

-mejoresdiscos2013-

Sam Amidon es un cantante de folk originario de Brattleboro, Vermont, EU, un pequeño pueblo conservador, nació en una familia de músicos, sus padres siempre han tocado folk tradicional y su hermano menor es baterista, así que la música y las costumbres más arraigadas siempre han estado con él.

Una característica fundamental en Sam Amidon es su capacidad para mezclar las viejas costumbres con la vanguardia, él hace unos años se mudó de su pueblo natal a New York y actualmente radica en Londres, lo cual genera contrastes y lo hace conocer los extremos, estas experiencias lo han convertido en un experto en retomar viajas canciones y presentarlas con arreglos contemporáneos sin perder su esencia campirana, para lograr esto se hace acompañar de músicos y productores no tradicionales, en este disco intervienen por ejemplo gente de jazz, así como instrumentos poco usuales para el folk, como guitarras eléctricas, órganos Hammond, sintetizadores moog, bajos eléctricos, trompetas, clarinetes… Además de los tradicionales como violines, banjos, guitarras acústicas, etc.

Otra cosa totalmente ecléctica es la selección de canciones, donde lo mismo hace una versión de “My Old Friend”, un hit country originalmente interpretado por Tim McGraw en el 2005, después sorprende con un cover a “Shake It Off”, canción que fue un hit de pop descarado con Mariah Carey también en el 2005. Al mismo tiempo presenta una interpretación a “Weeping Mary” una canción tradicional que fuera interpretada por sus padres, Peter and Mary Alice Amidon, en el álbum Rivers of Delight: American Folk Hymns from the Sacred Harp Tradition, en 1979.

Bright Sunny South es un álbum de folk tradicional pasado por el filtro de la vanguardia, tiene los momentos más arriesgados que le he escuchado, ciertos tintes de blues y rock muy estridentes para el nivel de intimidad y delicadeza que maneja. Sam Amidon parte de la tradición para integrar y asimilar la vanguardia, y a pesar de que este concepto no es nuevo en él, presenta variaciones en la búsqueda, incorporación de rock, de jazz le dan variedad a uno de mis músicos favoritos del abanico actual.

_______________________________________________________________

Sam Amidon: / sitio / facebook / 

D

_______________________________________________________________

Últimamente, la música psicodélica ha sido retomada por muchas bandas nuevas que por ahí pululan. Sea o no parte de una postura tendenciosa, para uno que disfruta esos sonidos reminiscentes a los 60’s y 70’s es un agasajo. Y si bien dentro del mundo de nuevos proyectos que diario ven la luz, pues luego uno encuentra a los que lo hacen bien y sin parecer una “copia de”. La Femme es uno de esos proyectos que claramente destacan. Sexteto francés que el año pasado empezaron a hacer ruido con su EP homónimo.

Psycho Tropical Berlin presenta una amplia gama de influencias y texturas. Suenan a un Stereolab en ácido, en otras rolas suenan a un Broadcast upbeat, a veces suenan a score de película del santo, y de repente te sorprenden con teclados bien Krautrockers o baterías y teclados darkwavers. En fin toda una amalgama de géneros que hacen perfecta armonía con  las dos voces –femenina y masculina– principales.

Ciertamente el francés no se los vengo manejando, pero ahí investigándole poquito le pueden encontrar traducción. Ahora, yo soy de aquellos que se enamora de la música antes que la letra, y realmente éste disco es una delicia al oído, las letras tienen importancia, pero para mí pasan a segundo plano.

Son 15 los tracks incluidos, de los cuáles pasas de la experimentación de teclados Kraut que termina en una rola surf  bailable en “Antitaxi” a la psicodelia de que le da el nombre a la banda, “La Femme”. “Sur la Planche 2013” y la nostalgia electro dark ochentera. El hipnótico ritmo de “It’s Time to Wake Up (2023)” y ésta manera de cantar de la señorita Clémence. El momento de tranquilidad con “Le Blues de Françoise”. “Welcome America” y el dance-punk en su punto mas alto.

Finalmente el nombre del disco nos da pistas de la definición de su sonido, toman la psicodelia, lo tropical –que según ellos lo representa la guitarra surf-rock que acompaña todo el disco– y Berlin de donde salen todas esas influencias de kraut y drak wave.

________________________________________________________________

La Femme: / facebook / myspace / 

D

________________________________________________________________

La cosa con Daft Punk es que no puede sacar un disco que simplemente cumpla, no, esperamos demasiado de los robots, queremos escuchar otra obra maestra, como lo son sus dos primeros álbumes Homework [1997] y Discovery [2001], pero cubrir esas expectativas no es cosa fácil. Otro aspecto que genera más ilusiones es el tiempo, pasaron 8 años de que editaron su anterior LP Human After All [2005] y en este lapso pueden pasar muchas cosas, digo, no es por comparar, pero toda la discografía de The Beatles abarca un periodo de 7 años, del 63 al 70.

Yo entiendo el Random Access Memories como un homenaje, primero a las personalidades que crearon la música electrónica de baile, como lo son Giorgio Moroder o Nile Rodgers y luego a los sonidos clásicos de las discotecas y de su historia. Musicalmente es un álbum que tiene momentos muy bien logrados, claro es Daft Punk, encontramos valores de producción increíbles pero débiles en cuanto a trascendencia, le hizo falta acentos, canciones del tamaño de One More Time o Around The World de esos temas que simplemente no puedes escuchar sentado, !vamos! clásicos de la música electrónica y del pop para acabar pronto.

Se podría argumentar que es un álbum elegante, ciertamente lo es, pero también tiene detalles de pésimo gusto, como por ejemplo el pretencioso inicio de “Beyond”, o la utilización desmedida del Vocoder, que si bien es un recurso en el cual ellos son expertos, y les dio algunos de sus mejores momentos, ahora no es recurso sino sistema, me da la impresión de que ya no pueden vivir sin el y todo lo quieren resolver con el mentado Vocoder.

Lo que me parece un tanto extraño es que este álbum ha recibido calificaciones de 10, en verdad me parece una decepción, lo mejor del regreso de Daft Punk fue el video de presentación de Nile Rodgers, quien al final fue el más beneficiado por todo este aparato de publicidad. No estaría mal si fuera un álbum de estos de relleno o un capricho de los músicos, pero para eso no se esperan 8 años.

______________________________________________________________

Daft Punk: / sitio /

D

______________________________________________________________

-mejoresdiscos2013-

Finalmente, después de una expectativa exacerbada, abuso de publicidad, una monumental gira mundial con álbum en vivo de testimonio, un soundtrack para la ambiciosa secuela de TRON vía Disney con cameo incluido, un cambio de disquera y la nada despreciable cantidad de ocho años, hoy todos los seres vivos del planeta tuvimos la oportunidad de escuchar por primera vez un nuevo disco en estudio de Daft Punk.

No dejo de pensar que ha sido un proceso considerable como para poder calificarlo a la primera escucha, sin embargo, más tardó en esparcirse la noticia de que el álbum se había filtrado en la internet que en ser descalificado tajantemente por algunos y glorificado sin mesura por otros ¿Será que el humano promedio ha alcanzado la habilidad de asimilar cualquier novedad en segundos?, o posiblemente  la velocidad de la oferta no permite que terminemos de percibir algo por que ya viene lo que sigue o simplemente lo que cuenta hoy es quien dio su veredicto primero.

Por principio, algo que me parece fundamental para poder apreciar Random Acces Memories de manera óptima, es el hecho de que no nos estamos enfrentando al proyecto musical que todos creemos, ese que de muy joven marcó una pauta trascendental en la electrónica, ese que construyó un monumento a la música pop del futuro con su álbum Discovery, lamentablemente ese ya no es lo que estamos presenciando. Lo que Daft Punk hoy por hoy representa a la cultura pop es una marca de lujo, un producto de primera calidad, mas equiparable al lanzamiento del nuevo iPhone que al resultado de un par de músicos pasándola bien en el cuarto de ensayos, tal y como ha pasado con las más grandes firmas de la música pop, dígase Michael Jackson, Madonna, Prince etc. estatus de ícono al que el dúo francés parece apuntar.

Pero, ¿y el disco?, es de verdad tan “lo amas o lo odias”, yo creo que no, simplemente el problema con cosas como Daft Punk es que las expectativas se vuelven altísimas, difícilmente pueden ser superadas, por desgracia el grupo ya se encontró hace muchos años en el cenit de su carrera y ahora carga el peso de lo que ellos mismos construyeron como Atlas lo hace con el mundo sobre sus hombros.

Unas cosas por otras, Random Acces Memories cambió lo emocionante que pudo haber sido el sonido del grupo por uno mucho mas sofisticado y elegante, dejó atrás las acrobacias y la pirotecnia en pos de sutilezas que en muchos niveles acrecientan la universalidad de su música, y en algunos momentos, curiosamente los highlights del álbum me parecen esos cortes instrumentales como su homenaje a Giorgio Moroder, o Contact, el tema que cierra el álbum, me atrevería a decir que alcanzan a ser majestuosos.

Es un ejercicio difícil, pero intento acercarme aún al disco sin prejuicios, tratando de olvidar que si los colaboradores, que si la música disco, que si sus mejores tiempos… para poder saber si realmente es un disco que me fascina o me pasa de noche, sin embargo a unas horas de haberlo conocido, a un par de oídas y a las 00:25 del día martes 14 de mayo sólo una cosa se de cierto acerca de este álbum, y es que su portada me incomoda mucho, es decir ¿por qué dejaron atrás la hermosa tradición de poner su logo en la portada?, yo en realidad lo extraño.

______________________________________________________________

Daft Punk: / sitio /

D

______________________________________________________________

¿Qué pasa cuando las grandes disqueras apuestan mucha lana por un disco? ¿Cuándo gastan miles en publicidad y tu producto aparece hasta en la sopa? Obviamente generas una gran expectativa, sobre todo cuando muy anticipadamente anuncias tu producto cual si se fuera a abrir la caja de pandora. Eso pasó con el dúo francés Daft Punk. La espera de su disco se volvió un martirio para los seguidores; spots en programas de televisión, teasers de treinta y tantos segundos, videos tipo trailers proyectados en festivales de música, colaboradores anunciados con bombo y platillo. Finalmente, como normalmente sucede con un trabajo tan esperado, el disco se filtró por la red y todos los melómano-curiosos hicimos lo posible por escucharlo antes de su edición oficial el 21 de Mayo.

8 años pasaron desde el lanzamiento de Human After All [2005] para poder escuchar la nueva aventura musical del robotizado dúo, y el resultado de 3 escuchas consecutivas lastimosamente es decepcionante. Como antes lo dije, el generar tanta expectativa por un proyecto y con tanto tiempo de anticipación, no siempre es garantía de éxito. Posiblemente en los bolsillos de Columbia si se va a reflejar positivamente, pero en el melómano corazón de su servidor el resultado es mediocre.

Tal vez fue muy ambicioso el querer resurgir con tantos colaboradores, o quizá el no usar la fórmula que tanto les dio éxito; los sampleos de música disco. En ésta ocasión el dúo se arriesgó a no utilizar samples y hacer música original, de hecho se escuchan muy poco esos ritmos electrónicos que los caracterizan, caso contrario al excesivo uso del vocoder. De entre los colaboradores encontramos a monstruos de la música disco como  el  legendario productor Giorio Moroder y Nile Rodgers (guitarrista de Chic). O los inde rockers de Julian Casablancas (The Strokes) y Panda Bear. También los productores Chilly Gonzales, Todd Edwards, Pharrell Williams y DJ Falcon. Al ver todos éstos nombres, es imperdonable que hayan desaprovechado la oportunidad de hacer un disco legendario. Porque el disco está plagado de altibajos, siento que en su concepción, no está bien estructurado, el orden de las canciones al final no cuadra.

“Give Live Back To Music” abre el disco, con éste ritmo funky muy caracteristico casi trademark de Nile Rodgers y su guitarra, buena canción, pero al final es como una rola de los 70’s cantada por robots, nada que no hayamos escuchado. “The Game Of Love” o mejor conocida como “Something About Us 2”, o sea, lo mismo pero con otra letra. “Giorgio By Moroder” que incluye una entrevista con el productor italiano, uno de los puntos a favor del disco. Después le cortan de tajo el ritmo al disco con “Within” colaboración con Chilly Gonzales en donde caen en el mismo bache, una balada setentera cantada por un robot, nada nuevo, bueno tal vez nuevo para Daft Punk ya que presentan una cara que no les conocíamos (hasta baladistas salieron). “Instant Crush” es la colaboración con Julián Casablancas, de la cuál esperaba algo mas energético y resultó en una canción en donde el excesivo uso del vocoder en la voz del rockero la vuelve cansante, tanto como aquella rola “Believe” de Cher. Después “Lose Yourself To Dance” una de las dos colaboraciones Pharrell-Rodgers en donde nos remiten a la época del Studio 54. “Touch” y su ritmo a la “Copacabana” del futuro. Después la otra colaboración Pharrel-Rodgers “Get Lucky” que ya todo mundo nos sabemos. “Beyond” y su pomposo opening instrumental tipo espectáculo de las vegas, con las voces que ya nos sabemos y este ritmito disco-pop nada pegador. “Motherboard” la instrumental que sobra. “Fragments of Time” brilla por su excelente calidad pop y la colaboración con Todd Edwards, en ciertos momentos me recuerda a Supertramp o el trabajo más pop de Alan Parson, otra de las rescatables del disco. Después llega “Doin’ It Right” en colaboración con Panda Bear, cuyo resultado es bueno, pero algo repetitivo al final. Por último llega “Contact” que a mi parecer es la que más se parece a ése Daft Punk que esperaba en éste disco, una rola in crescendo digna de las pistas de baile y los remixes.

Al final, me quedo con un sabor amargo, ya que el disco no termina por ser redondo, no me convence, no compro todo eso que la publicidad me intenta vender. Lástima por los grandes nombres que participaron en el proyecto y también por aquellos medios que nos quieren o intentan vender “las perlas de la virgen”, medios de los cuales no dudo tuvieron su mochada por parte de la disquera para hablar las maravillas. Bien decía Flavor Flav de Public Enemy, “Don’t believe the hype”

______________________________________________________________

Daft Punk: / sitio /

D

______________________________________________________________

-mejoresdiscos2013-

Antonio Jiménez es un músico oriundo de Tijuana, Baja California, México, que ha utilizado algunos otros seudónimos, también es conocido como Tony Gallardo ll, y por supuesto como María Y José, el más importante de sus alter egos. Es considerado una figura central de la nueva electrónica mexicana y un personaje muy apreciado por los conocedores. Debutó discográficamente en el 2010 con un álbum llamado Espíritu Invisible, el EP Kibosé y el single de Violentao. Ahora sale a luz C L U B N E G R O, se compone de algunas canciones ya conocidas, como la misma “Kibosé” y material completamente nuevo, así que de alguna manera lo podemos considerar como un especie de retrospectiva.

Hace unos años, se generó un ritmo novedoso, que los mismos involucrados llamaron ruidosón, una electrónica oscura pero muy bailable con mucho sazón latino, esta corriente ha ido mutando y mezclándose con otros estilos, de hecho una de las cosas más interesantes de este álbum es la sección intermedia, donde ya es difícil, si no imposible, encontrar aquel famoso sonido ruidosón, se va por otras partes alejándose de las tendencias latinas o tribales que siempre formaron parte de sus propuestas. Esto comienza en el track número seis “M v t i v s” donde la experimentación llegan a sonidos de ambient, luego viene “Ultra”, un tema mucho más tranquilo, donde al final entra el sonido de un tierno piano que se mezcla con todo tipo de texturas electrónicas, y para cerrar este pequeño bloque está la potentísima “Banaguana Feat. Matilda Manzana” que comienza un tanto donw beat y va subiendo de tono como avisándonos que el álbum se volverá a prender y a poner intenso en cualquier momento. Estas tres canciones me parecen básicas, son la parte del disco que más me gusta y sorprende, porque es el momento donde nos damos cuanta que esto puede llegar más allá y no se conformará con las formulas ya comprobadas.

María y José se posiciona como un proyecto sólido, representa un triunfo de la música de lap top realizada en el cuarto de adolescente con sueños, importante para la música latina que se mueve en canales no convencionales. Y aunque esto ya algunos lo sabíamos, este segundo álbum despaja dudas.

Lo más interesante, me parece, es estar al tanto de lo que va a pasar ¿Con qué nos van a sorprender para la próxima? Ojalá y esto pudiera trascender más allá de un puñado de hipsters bailando de maneras curiosas. Habrá que estar muy pendientes con María y José.

_______________________________________________________________

María y José: / soundcloud / facebook / tumblr / twitter /

escuchar todo

_______________________________________________________________